HAYLEY WILLIAMS

HAYLEY WILLIAMS

(Meridian, Misisipi, 27 de diciembre de 1988) es una música estadounidense, conocida por ser la vocalista de la banda pop punk Paramore. La agrupación se formó en 2004 por Josh Farro, Zac Farro, Jeremy Davis y Williams y hasta la fecha han lanzado cuatro álbumes de estudio: All We Know Is Falling (2005), Riot! (2007), Brand New Eyes (2009) y Paramore (2013).
En su carrera como cantante solista, Williams grabó la canción «Teenagers» para la banda sonora de Jennifer's Body (2009) y ha realizado numerosas colaboraciones con artistas como October Fall, The Chariot, Death In The Park, New Found Glory, entre otros. En 2010, colaboró en el sencillo «Airplanes» de B.o.B. Dicha colaboración le brindó tres nominaciones a los MTV Video Music Awards 2010, incluyendo al mejor vídeo del año. En 2012, fue incluida en el lugar setenta y siete de la lista 100 Greatest Women In Music (traducido como Las cien mujeres más grandes de la música) de VH1. En 2002, a la edad de trece años, Williams se mudó desde Meridian a Franklin, Tennessee. Poco después de haber llegado, comenzó a tomar clases con Brett Manning, un músico y profesor de canto estadounidense. Hayley tenía una banda llamada The Factory junto a Kimee Read y Jeremy Davis, en la que realizaban versiones de música funk.
En 2003 firmó un contrato discográfico con Atlantic Records como cantante solista. Inicialmente, el plan era que fuese una cantante de pop, pero ella prefirió formar una banda de rock alternativo. En una entrevista, Steve Robertson, vicepresidente de A&R Atlantic Records, dijo que «ella no quería ser una princesa pop. Quería junto con su banda de rock tener la oportunidad de mostrar que pueden escribir sus propias canciones». El mismo año en que se mudó a Franklin, conoció a Josh y Zac Farro en la escuela.Los hermanos buscaban un vocalista para su banda y tuvieron algunas aprensiones con respecto a tener a una chica como voz líder, pero eran buenos amigos, así que Williams empezó a escribirles canciones y la relación funcionó. La banda fue formada oficialmente en 2004 por Hayley Williams (voz), Josh Farro (guitarra líder y coros), Zac Farro (batería) y Jeremy Davis (bajo). Posteriormente se unió el guitarrista rítmico Jason Bynum.

El álbum debut de Paramore, All We Know Is Falling, se lanzó a la venta el 26 de julio de 2005 y llegó a la posición treinta del Billboard Heatseekers Albums. Se publicaron tres sencillos del álbum —«Pressure», «Emergency» y «All We Know»—, pero ninguno de ellos logró entrar en las listas de popularidad. Después de algunos cambios de formación, en 2007 se lanzó el álbum Riot!, el cual llegó a la décimoquinta posición del Billboard 200. El primer sencillo del álbum, «Misery Business», fue el primero de la banda en entrar en el Hot 100 de Estados Unidos, además de haber estado presente en otras listas del país. El tercer álbum de la agrupación, Brand New Eyes, se lanzó en septiembre de 2009 y llegó a la segunda posición del Billboard 200.
En diciembre de 2010 y tras la salida de los hermanos Farro de la banda, Josh acusó a esta de ser «un producto prefabricado de una discográfica importante, del que el "sueño de Hayley" se ve beneficiado».También dijo que Williams era la única integrante de Paramore que firmó con Atlantic Records,lo cual fue después confirmado por los restantes miembros de la agrupación de una entrevista con MTV. Tras esto, en diciembre de 2011 lanzaron la caja recopilatoria Singles. En febrero de 2012, Paramore comenzó a trabajar en su cuarto álbum de estudio, que fue más tarde lanzado bajo el mismo nombre del grupo. Esto, de acuerdo con los integrantes, se debe a que el proceso de grabación fue un redescubrimiento de ellos como banda y como amigos; «este álbum es lo que somos», puntualizaron. Paramore ha recibido diversos premios y nominaciones. En 2008, obtuvo su primera nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor artista nuevo, sin embargo, no resultó ganador.La banda recibió el galardón de mejor banda rock en los Teen Choice Awards en 2009, 2010 y 2011. Igualmente, las canciones «Decode», «Ignorance» y «Monster» consiguieron el premio a la categoría de mejor canción de rock en la misma ceremonia

IGNORANCE - PARAMORE

BOB MARLEY

BOB MARLEY

Robert Nesta Marley Booker (Nine Mile, Saint Ann, Jamaica, 6 de febrero de 1945 – Miami, Florida, Estados Unidos, 11 de mayo de 1981), más conocido como Bob Marley, fue un músico, guitarrista y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae. Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari a una audiencia mundial. Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos "I Shot the Sheriff", "No Woman, No Cry", "Jamming", "Redemption Song" y, junto a The Wailers, "Three Little Birds", así como el lanzamiento póstumo "Buffalo Soldier". El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos Robert Nesta Marley Booker nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Mile (Rhoden Hall, Saint Ann Parish), una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe.El padre de Bob murió cuando este tenía 10 años, en 1955.
Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato , sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud. Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.
Cedella Marley luchaba cada día por sacar adelante a su hijo, vivían en la pobreza, por lo que en casa no contaban con agua, ni electricidad. Viviendo así en Nine Miles, Bob conoció a quien llegaría a ser su más frecuente amigo -Bunny Wailer. Cedella y el padre de Bunny empezaron a tener una relación, y es esta razón por la cual Bob y Bunny compartían una hermana. Siendo una familia de 5, buscando prosperidad, se mudan a Kingston, la capital de Jamaica. Fue con Bunny, con quien Bob comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Raymond Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición con la música. 

En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño,mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los Wailing Wailers. El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, Simmer Down, con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith. El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el mánager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estómago y el mánager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, él dijo: «La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad». Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, Exodus, uno de los más importantes de su carrera y del reggae. Lanzado en el verano de aquel año, Exodus consolidó el estatus internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres sencillos - "Waiting in Vain", "Exodus" y "Jammin'" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con Kaya, que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos sencillos: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el One Love Peace Concert, cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: Babylon By Bus. Survival, el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, Survival fue un álbum en homenaje a la causa panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno de Zimbabue para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación. El siguiente disco de la banda, Uprising, fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también incluía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo récords de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y Uprising estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.

En julio de 1977 se descubrió que se le había formado un melanoma acral lentiginoso, una forma maligna de melanoma, en el dedo gordo de su pie derecho; la lesión encontrada en su dedo gordo es un signo típico de este tipo de cáncer. A pesar de su enfermedad, Bob deseó seguir adelante con las actuaciones programadas y ni se extirpó el cáncer ni se puso en tratamiento.

El álbum Uprising, producido por Chris Blackwell, fue lanzado en mayo de 1980. Con su Redemption Song, Bob Marley parecía estar aceptando su condición mortal. La banda concluyó una importante gira por Europa, dentro de la cual dieron su concierto más multitudinario, en Milán, al que acudieron unos cien mil espectadores. Tras la gira, Marley regresó a los Estados Unidos, en donde ofreció dos conciertos en el Madison Square Garden como parte del Uprising Tour. Poco después de eso su salud empeoró considerablemente. El cáncer se le había extendido por todo el cuerpo. El resto de la gira fue cancelada y Marley ingresó en la clínica bávara de Josef Issels, en Alemania, y comenzó un controvertido tratamiento a base de evitar ciertos alimentos, bebidas y otras sustancias.

Después de ocho meses luchando sin éxito contra el cáncer, Marley tomó un avión de regreso a Jamaica. Durante el vuelo desde Alemania, sus funciones vitales comenzaron a fallar. Cuando el avión aterrizó, tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital pues necesitaba atención médica inmediata. Murió en el Cedars of Lebanon Hospital, ahora Hospital Universitario de Miami, en la mañana del 11 de mayo de 1981, a la edad de 36 años. La expansión del cáncer que comenzara como un melanoma en su pie y la metástasis producida en sus pulmones y cerebro fueron la causa de su temprana muerte. Las últimas palabras a su hijo Ziggy Marley fueron "el dinero no puede comprar la vida".

Marley recibió un funeral de estado el 21 de mayo de 1981 que combinaba elementos de la iglesia ortodoxa etíope con los de la tradición rastafari. Fue enterrado con su guitarra Gibson Les Paul roja (algunos dicen que en realidad se trataba de una Fender Stratocaster) en una capilla próxima al lugar en donde nació.

ONE LOVE - BOB MARLEY

SCOTT JOPLIN

SCOTT JOPLIN

(Texarkana, Texas, Estados Unidos, 24 de noviembre de 1868 - Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, 1 de abril de 1917) fue un compositor y pianista estadounidense, una de las figuras más importantes en el desarrollo del ragtime clásico, para el que deseaba un estatus similar al de la música seria proveniente de Europa y la posibilidad de admitir composiciones extensas como óperas y sinfonías. Tuvo una formación musical clásica muy sólida, lo que se materializó en su tendencia a obtener un equilibrio formal basándose en el uso de tonalidades muy próximas entre sí. Sus rags se valen de distintos ritmos e incluyen, generalmente, cuatro temas de 16 compases repetidos, con introducción y modulación antes del tercer tema; tras la profusión de sonidos irregulares y arpegiados siempre se encuentra en sus rags una melodía de carácter pegadizo que sigue el clásico patrón de frase antecedente-consecuente, dividiéndose así la melodía de ocho compases en dos partes relacionadas entre sí. Por lo demás, sus rags carecen de pasajes de desarrollo. Scott Joplin no grabó nunca audios, aunque sí algunos piano rolls a finales de 1915 o principios de 1916; su legado, por tanto, se centra casi exclusivamente en sus partituras, diseñadas "para una ejecución milimétrica y minuciosa por parte del artista". Mostró su habilidad musical a temprana edad y aprendió a tocar la guitarra y la corneta; a los ocho años se inició su afición por el piano. Estudió música por primera vez en Texarkana con un profesor de música alemán (Julius Weiss), impresionado por sus primeras improvisaciones cuando tenía once años. La base de sus clases era el estudio de la armonía de acuerdo con la tradición europea. Tras morir su madre en 1882, Joplin, ante la presión por parte de su padre para que aprendiese un oficio, abandonó el hogar familiar. Se instaló itinerantemente en el valle del Mississippi y trabajó como pianista en bares y prostíbulos, lugares donde empleaban a la mayoría de los músicos de raza negra. Sus experiencias musicales de esos años le sirvieron en el futuro como inspiración rítmica y melódica. Joplin estudió en la Universidad George Smith para alumnos negros, donde siguió cursos de armonía y composición. En 1893 actuó, con una orquesta propia en la que tocaba el piano y la corneta, en la World's Columbian Exposition de Chicago, y un año después se trasladó a Sedalia (Misuri). En 1895 publicó sus primeras canciones, temas como "A picture of Her Face" y "Please Say You Will". Fue en Sedalia donde publicó, en 1899, Original Rags y Maple Leaf Rag (su obra más importante y uno de los rags más famosos que se han editado, que llegó a vender cientos de miles de copias de su partitura); también abrió un centro de enseñanza. El éxito como compositor lo llevó a componer más de cincuenta obras para piano entre 1895 y 1917. En 1902, fruto de su interés en expandir las posibilidades del género, compuso el Ragtime Dance, un ballet de veinte minutos de duración con narración incluida, con base en los bailes de la sociedad negra del momento. Enfermo de neurosífilis, originada por la sífilis, ingresó en 1916 en el hospital estatal de Manhattan, donde terminaría falleciendo. Su música resurgió cuando varios de sus rags, entre ellos The Entertainer, aparecieron en la película El golpe (1973) y Treemonisha se estrenó con éxito en 1975 con la Houston Grand Opera Otras composiciones de Joplin son Peacherine Rag (1901), Palm Leaf Rag-A Slow Rag (1903), Euphonic Sounds (1909) y una obra que contiene explicaciones sobre su estilo: The School of Ragtime: Six Exercises for Piano (1909). Su obra “Solace“ aparece en el aclamado videojuego Bioshock Infinite (2013), se puede apreciar su melodia cuando se carga el juego.

RAGTIME PIANO - SCOTT JOPLIN

LUDWIG VAN BEETHOVEN

LUDWING VAN BEETHOVEN

(Bonn, 16 de diciembre de 1770 – Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.
Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.Su producción incluye los géneros pianísticos, de cámara, vocal, concertante y orquestal.
En 1792, el príncipe elector de Bonn volvió a financiarle un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición, de contrapunto y de lírica.
Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. En 1800, tuvo lugar el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el que Daniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión, Beethoven tomó partituras de una obra de este, modificándolas al mismo tiempo que las iba tocando, con tanta gracia que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad.
Con veinticuatro años publicó su primera obra importante: tres tríos para piano, violín y violonchelo y el año siguiente, en 1795, realizó su primer concierto público en Viena como compositor profesional, en el que interpretó sus propias obras. 
Su música inicial, fresca y ligera, cambió para convertirse en épica y turbulenta, acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la Francia revolucionaria. Su Tercera Sinfonía, llamada La Heroica (traducción de la denominación en italiano Eroica) , estaba escrita en un principio en «memoria de un gran hombre», Napoleón, que era visto en ese momento como un liberador de su pueblo. Cuando se declaró a sí mismo Emperador, Beethoven se enfureció y borró violentamente el nombre de Napoleón de la primera página de la partitura. La Heroica se estrenó finalmente el 7 de abril de 1805. Debido a la pérdida de sus capacidades auditivas, se entregó a una febril actividad creadora, y, a la par, sufrió penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos. No llegó a casarse nunca, pero se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. En 1809, Beethoven no estaba conforme con su situación en Viena, especialmente bajo el aspecto económico. Entonces se planteó la invitación de Jerónimo Bonaparte, para dejar Viena y trasladarse a Holanda. Su vieja amiga la condesa Anna Marie Erdödy, logró convencer a Beethoven para que se mantuviera en Viena con la ayuda de sus más ricos admiradores, entre los que se encontraban el archiduque Rudolf, el príncipe Lobkowitz y el príncipe Kinsky, que ofrecieron a Beethoven una pensión anual de 4000 florines, lo que le permitió vivir sin preocupaciones económicas. La única condición que le pusieron fue no abandonar la ciudad de Viena, condición aceptada por el compositor. Dicha pensión lo convirtió en el primer artista y compositor independiente de la historia, ya que anteriormente los músicos y compositores (Bach, Haydn y Mozart incluidos) eran sirvientes en las casas de la aristocracia, formando parte de su personal doméstico y componiendo e interpretando según sus amos les pedían. En cambio, las condiciones del arreglo al que llegó Beethoven con sus benefactores daban libertad al compositor de componer lo que él quisiera, bajo demanda o no, y cuando él quisiera.

Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, terminada en 1823. La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en la casa de su hermano en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito.

El 20 de diciembre, se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación, en enero, a su regimiento. La maltrecha salud del músico, empeoró. Esos últimos días le acompañaron Franz Schubert, quien en realidad no se atrevió a visitar al maestro, pero un amigo de ambos le mostró al moribundo las partituras de sus lieder, que Beethoven tuvo oportunidad de admirar 

El 24 de marzo de 1827, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas. Esa misma tarde entra en coma para no volver a despertar hasta dos días más tarde.

5ª SINFONIA - BEETHOVEN

MICHAEL JACKSON

MICHAEL JACKSON

(Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958-Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009) Fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes.Desde temprana edad Michael demostró interés por la música, cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, su hermano Marlon y él se unieron a la banda musical Jackson Brothers, formada por sus hermanos mayores —Jackie, Tito, y Jermaine— donde tocaban unos pequeños bongós y panderetas. Michael destacó del resto de sus hermanos por su habilidad para cantar y bailar, y se convirtió, junto a su hermano Jermaine, en vocalista del grupo, al que posteriormente denominaron The Jackson Five.

En febrero de 1993, el músico accedió a ser entrevistado por Oprah Winfrey, en el que fue su primer reportaje desde 1979. Allí habló acerca de su infancia, su adolescencia, la relación con sus padres y hermanos y su carrera profesional. También desmintió los rumores que señalaban que quería comprar los huesos del Hombre elefante, que dormía en una cámara de oxígeno y que realizaba un tratamiento para blanquear su piel, ya que por primera vez reconoció tener vitíligo, la causante del cambio en su cutis. Esta entrevista tuvo una repercusión mundial y en Estados Unidos fue seguida en directo por 90 millones de televidentes, convirtiéndose así en uno de los programas especiales más vistos de la historia de la televisión de ese país.

En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película El mago, remake del musical El Mago de Oz (1939), realizada esta vez por actores de origen afroamericano. Durante el rodaje conoció al productor Quincy Jones, con quien trabajó en los siguientes años. Jones lo convenció para que produjeran juntos el siguiente álbum de estudio del artista, Off the Wall. En 1979, se lesionó la nariz realizando una compleja rutina de baile y debió someterse a una rinoplastia, ya que además tenía problemas para respirar.

Conocido como el «Rey del Pop», logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Libro Guinness de los récords en numerosas ocasiones, entre ellos: por ser el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con «You are not alone»; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes (sin incluir banda sonoras) en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclip más exitoso, Michael Jackson's Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador más exitoso de todos los tiempos. Además ha sido el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1 (Thriller) y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990.

Su contribución a la música, al baile y a la moda, además de su publicitada vida personal le convirtieron en una figura de la cultura popular. Comenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jacksons a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera en solitario, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos. Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. 

Algunos de sus álbumes publicados figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, lo que le sirvió para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100. Se estima que Michael Jackson ha vendido entre 350 a más de 400 millones de sus producciones musicales, lo que lo convierte en uno de los músicos con mayores ventas de los últimos tiempos.

También durante su vida sirvió de influencia musical para decenas de artistas. Michael Jackson a lo largo de su trayectoria ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y quince premios Grammy en diversas categorías musicales, de los cuales dos son póstumos.Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.

Posteriormente, se vio envuelto en dos capítulos polémicos, estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron los últimos años de su vida y carrera artística.

Casi una década después, fue publicado Invincible (2001), cuyo lanzamiento fue reconocido como un total fracaso.

Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, casi veinte días antes del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por una parada cardiorrespiratoria. La repentina muerte del artista dio lugar a una avalancha de pena mundial, y hasta más de dos mil millones de personas vieron su funeral público en la televisión en vivo. En 2010, Sony Music Entertainment firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar hasta siete álbumes póstumos hasta 2017.

BILLIE JEAN - MICHAEL JACKSON

JOE ARROYO

JOE ARROYO

Álvaro José Arroyo González, (Cartagena de Indias, 1.° de noviembre de 1955 - Barranquilla, 26 de julio de 2011), mejor conocido como Joe Arroyo o Centurión de la Noche, fue un cantante y compositor colombiano de música salsa y tropical, considerado como uno de los más grandes intérpretes de música caribeña de su país.El Joe fue un artista respetado y admirado en toda Colombia.

Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares y burdeles de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal. En sus inicios cantó con agrupaciones como Los Caporales del Magdalena, Manuel Villanueva y su Orquesta y el Supercombo Los Diamantes (las dos últimas en 1970); en 1971 grabó con La Protesta

En 1973 tiene su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, arreglista, compositor y productor de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó ininterrumpidamente hasta 1981. Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes (Los barcos en la bahía), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers (La guarapera), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán (Volvió Juanita) y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes.
En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña y con diversos ritmos del Caribe hasta crear su propio ritmo, el "joesón".
Uno de sus mayores éxitos fue "La Rebelión" (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de "La Rebelión" un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente. En México sucede el mismo fenómeno desde que se publicó por primera vez el tema en el LP "Tequendama de Oro Volumen 7" de Discos Peerless en 1987 y su LP "Joe Arroyo y su Orquesta La Verdad, Grandes éxitos", aún a la fecha el tema es muy popular en el movimiento sonidero.
Otras de las canciones más exitosas de Joe Arroyo fueron "El Caminante", "Confundido", "Manyoma", "Tania" (dedicada a su hija) y "El Ausente", todas grabadas con Fruko.
Sus canciones fueron un éxito a nivel nacional e internacional, ganó múltiples discos de oro a lo largo de su carrera, entre ellos, 18 congos de oro y 4 super congos ganados en el Carnaval de Barranquilla. Entre sus canciones más relevantes destacan «La rebelión», «Yamulemao», «Mary», «En Barranquilla me quedo», «El Ausente», «Noche de arreboles», «Centurión de la Noche», «Ella y tú», entre muchas otras.
En noviembre de 2011, Álvaro José Arroyo ganó un premio Grammy Latino como mejor cantante/compositor en la ceremonia de los Grammy Latinos 2011

LA REBELIÓN - JOE ARROYO

BILLY JOEL

BILLY JOEL/THE PIANO MAN

Billy Joel recibiendo un doctorado de Bellas Artes en la universidad de Syracuse, 14 de mayo de 2006. Desde una temprana edad, Billy Joel tuvo un intenso interés en la música, especialmente la música clásica, comenzó sus clases de piano a los 4 años de edad. Fue en 1973 que alcanzó un gran éxito con su álbum “Piano man”. Y es justamente la canción que le da nombre al álbum, la que está considerada a la fecha como una de las grandes canciones del pop-rock de todos los tiempos. En 1974 estando en Los Ángeles graba el álbum "Streetlife Serenade" que incluía el éxito "The Entertainer" donde sigue abordando con diferentes matices la temática del pianista optimista, alejado de la suerte, pero que lucha y se apasiona por su vocación, en un mundo duro y competitivo, al igual que su predecesor "Piano Man". En 1976 graba el álbum "Turnstiles". Durante los 80 la música de Joel cambió, de aquel rock/pop alegre, virtuoso y pegajoso, acompañado de letras que hablaban de experiencias en bares, contando historias de viajes y regresos como "Seen The Lights Gone Out On Broadway", "New York State of Mind" o "Allentown", tuvo un radical cambio al entrar los 80 donde su estilo y sus letras cambiaron para hacerlas un tanto más románticas, introspectivas y tranquilas, sobre todo al inicio de la década.
El primer disco de Joel en los 80 "The Nylon Courtain" de 1982 trata temas introspectivos y, en cierto punto, rayando con lo político, como las guerras, que deja ver en su tema "Goodnight Saigon", una de sus mejores canciones y que significa un homenaje a aquellos soldados perdidos en la guerra de Vietnam.

En 1983 lanzo el álbum "An Innocent Man" con éxitos como "Tell Her About it" y la pegajosa "Uptown Girl". Este álbum es un tributo de Billy Joel a la música de su infancia. Billy Joel considera este como un álbum de cantantes y hace un homenaje a diferentes estilos musicales. En 1985 lanza "The Greatest Hits " un álbum doble recopilatorio de sus mejores éxitos de 1973 a 1985. En 1986 lanza "The Bridge" que contiene canciones como la exitosa "Matter Of Trust. A finales de la década Joel volvió a cambiar su apariencia, y su música de nuevo volvió a ser el clásico contador de historias de los 70, con sus descripciones únicas y con sus ritmos pegajosos en cada canción que escribía, así 1989 a sus 40 años lanza el excelente álbum '"Storm Front" de la cual el tema fue un éxito arrollador. "We Didn't Start the Fire" es una canción que hace referencia a los principales eventos históricos que ocurrieron en el mundo (La guerra fría, ideologías, políticos, artistas, etc) desde el momento en que Joel nació hasta que compuso la canción (desde 1949 hasta 1989).

Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos, ganador de 6 Grammys en su carrera, incluyendo el Grammy Leyenda por su contribución a la música. Su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra entre otros, canciones que permanecerán inmortales a través de los años y que han emocionado a 3 Generaciones completas. Billy Joel es, ante todo, un sagaz contador de historias, un trovador rockero. Su sello particular, melódicas canciones Pop/Rock con un toque sutil y fantástico del piano, y como letra, cualquier historia que Joel pudiera contar, que iban desde viajes, fiestas, historias amorosas, y encuentros inesperados.

WE DIDN'T START THE FIRE - BILLY JOEL

JOHN LENNON

JOHN LENNON

John Winston Ono Lennon2 (de nacimiento John Winston Lennon), MBE (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 – Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), fue un músico multiinstrumentista y compositor que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, una banda de rock británica activa durante la década de 1960, y reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo XX.

Nació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Cuando el grupo comenzó a desintegrarse hasta su disolución a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, y canciones icónicas como «Give Peace a Chance» e «Imagine».

Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica le persiguió debido a su constante activismo por la paz, junto con su esposa Yōko Ono. En 1971 se mudó a Nueva York, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar tiempo a su familia, Lennon volvió en 1980 con Double Fantasy. Lennon fue asesinado tres semanas después de ese lanzamiento.

En los Estados Unidos, las ventas de Lennon como solista se acercan a los catorce millones de unidades,3 y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veintisiete sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC de los «100 británicos más importantes», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 19874 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994.

IMAGINE - JOHN LENNON

LUIS ANTONIO CALVO

LUIS ANTONIO CALVO

Hijo de Félix Serrano y Marcelina Calvo, desde niño mostró un enorme interés por la música. Cuando tenía 9 años, la pequeña familia, se trasladó a Tunja buscando un mejor porvenir. En Tunja, Calvo se convirtió en mensajero de la tienda de Pedro León Gómez, un hombre que practicaba el violín e inició al futuro gran músico en el uso de este instrumento. Sintiendo que su vocación lo llamaba con una intensidad cada vez más fuerte, Calvo inició estudios de violín y piano con el maestro Tomás Posada.

Ingresó a la Banda Departamental de Boyacá como platillero, y tiempo después fue el encargado del bombo, posición en la que duró poco más de cuatro años, hasta que el gobernador del departamento le concedió el nombramiento para ejecutar el bombardino; durante este tiempo, Calvo continuaba con sus estudios de violín. En esta época compuso su primera obra, Libia, cuya belleza armónica lo convierte también una de sus mejores composiciones.

Su familia se trasladó a Bogotá el 11 de mayo de 1905. En ese mismo año se presentó al ejército, Su sueldo, por ser un músico de tercera clase, era de 50 pesos, que muy pronto se convertirían en tan sólo 25 debido a un decreto del gobierno que además lo rebajó un grado. Esto agravó la situación de su familia, que vivía en un cuarto arrendado en muy malas condiciones.

Se dedicó entonces a la composición e instrumentación de piezas musicales para la banda; hizo la instrumentación de su obra “Libia”, y de esta forma pudo tocarla con la banda. Dos años después, un nuevo decreto gubernamental le restituyó su grado militar y su antiguo sueldo, a la vez que era ascendido gracias a su habilidad musical. Calvo fue, además, finalmente invitado a pertenecer a la academia de música, con lo cual pudo completar su educación musical adecuadamente. Allí pudo conocer al maestro Guillermo Uribe Holguín, quien lo instruyó en la interpretación del violonchelo.

Luis Antonio Calvo falleció el 22 de abril de 1945 a las 3 de la tarde en el Sanatorio de Agua de Dios, a causa de un ataque de uremia. 

INTERMEZZO Nº 1 - LUIS ANTONIO CALVO

MERCEDES SOSA

MERCEDES SOSA

Mercedes Sosa (Tucumán, 9 de julio de 1935 - Buenos Aires, 4 de octubre de 2009)2 conocida como La Negra Sosa o La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América, Europa, Israel y Asia Oriental, considerada la mayor exponente del folklore argentino, cumbre de la Historia de la música folclórica de Argentina y una de las principales e infaltables cantantes de música popular de Latinoamérica.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana.

Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. 

Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral). Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar. Entre las interpretaciones con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran «Al Jardín de la República», «Canción con todos», «Alfonsina y el mar», «Gracias a la vida», «Como la cigarra», «Zamba para no morir», «La maza», «Todo cambia», «Duerme negrito», «Y dale alegría a mi corazón», «Calle angosta».

Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997) y su interpretación de la Misa criolla (2000). Su último trabajo es Cantora, lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el Himno nacional argentino.

GRACIAS A LA VIDA - MERCEDES SOSA

Poema a la música

Dulce, suave, y al mismo tiempo la más fuerte, la única en la que puedo depositar mi confianza, eres tú. Mi vida y mi placer es escuchar tu dulce voz, con la cual, no solo me enamoras a mi, sino a quienes saben apreciarte de manera correcta. Con tu sonido me ayudas a recapacitar, me ayudas a darme cuenta en que fallo y como puedo repararlo. Las memorias que traes a mi pensamiento son como espinas clavadas en mi ser, las cuales puedo quitar contigo, pero solo escuchándote de otra forma.

Cada parte de mi ser ansia estar cerca de ti, no por lo que otros dicen, sino por lo que demuestras con tu bella voz, al hacerme creer que podre llegar a alcanzar el paraíso, uno mejor que el que me dan aquí en la tierra. Cuando te tengo cerca, ya no importa nada mas, solo esta tu luz, con la cual me veo iluminado cada vez que la armonía de tus notas se ensamblan para crear una melodía, una canción.

Como guía eres para mis pasos, sin tener que verte se que me acompañas, la única mujer además de mi madre a la que podre amar sin el temor de llegar a decepcionarme. En la oscuridad completa puedo encontrarme, y se que no me perderé, pues tengo por guía a la mas hermosa de las mujeres. Días buenos, días malos, no importa si a mi lado estas, compañera eres de mis pasos, amiga de todas lss generaciones venideras.

El sonar de tu voz, me arrulla y crea una ilusión. Como un espejo eres, pero no uno cualquiera, uno en el cual puedo presenciar quien soy en realidad, y contigo no tengo la necesidad de ocultar quien soy en realidad, solo contigo soy sincero. Detrás de otras voces te escondes, pero yo se que estas allí, por que así no lo quieras, tu vives en mi, y en quienes saben apreciar en verdad quien eres.

Con tu presencia cerca de mi corazón, mis pensamientos son claros como el agua, no entran dudas en mi ser, sin importar las palabras de aquellos quienes dicen conocerte, cuando la verdad es que ni ellos mismos se conocen.